A série Não Cálice, da fotógrafa brasileira Leticia Zica, é fruto de um exercício delicado de libertação e denúncia. Um exercício de resistência, no qual mulheres foram convidadas para participar de um rito de afeto e coragem. Pensado inicialmente como uma coleção de moda feminista, o projeto pretendia trabalhar com a escuta de mulheres que sofreram ou sofrem abusos físicos e psicológicos devidos à condição de gênero. Durante o processo, foram entrevistadas de maneira anônima e, através de uma série de perguntas formuladas pela fotógrafa, deram pistas para a criação de uma coleção roupas baseadas nas emoções de quem as vestem. O contato entre essas mulheres acabou por resultar em uma série de fotografias em preto e branco que se utilizou da nudez para refutar as insistentes objetificações presentes na temática do nu feminino e trazer a tona não só a pluralidade estética das mulheres, como também um campo simbólico que contrasta força e fragilidade, exposição e anonimato. 

O nu sempre foi uma das temáticas mais relevantes na pintura, na escultura e na fotografia e, para os olhos do espectador, nunca foi de caráter inusitado encontrar o corpo feminino exposto como objeto do olhar. No entanto, as modelos que encontramos em livros de história da arte e nas produções de muitos fotógrafos são, em linhas gerais, anônimas e pouco se sabe para além de suas formas e relevos. Sob espectro de uma tradição de artistas do gênero masculino, o nu é, hoje, discutido de maneira crítica como nunca antes fora e, nesse contexto, a série Não Cálice, é não só uma maneira de visibilizar a história das modelos de seu projeto, mas também uma via sensível para dialogar humanamente, através da arte, sobre questões sociais que, ainda hoje, acometem milhares de mulheres no Brasil e no mundo.

O trabalho nos mostra relações claras em seu simbolismo. O pente que se pendura, como um machado colado à árvore recém cortada, também adestra os cabelos de uma mulher cujo rosto não pode ser visto; uma mulher mostra os seios mas a face nos resta ocultada, inclinada para o canto do frame; uma senhora mostra a pele e as ações do tempo sobre seu corpo.  A palavra Cálice, e sua ambiguidade sonora criada com a ideia de calar-se, amplia as dimensões do trabalho e nos leva para uma concepção receptiva do feminino, reforçada pela cultura cristã e cultivada na ideia conservadora que enxergou na mulher o símbolo as subserviência. O discurso, na fotografia, se dá através da minúcia e só pode ser alcançado pela observação demorada, pela atenção exigida. O discurso se encontra no vão onde a palavra não cabe.

Em uma tentativa contínua de reconhecimento de si própria e das pessoas que a circundam, o sensível trabalho da fotógrafa sempre se utilizou do corpo para tecer suas poéticas. Um corpo que, diante de seus olhos, é constantemente fragmentado, exposto, amplificado. Um corpo solto no espaço, único e múltiplo, individual e coletivo e, sobretudo, sujeito às intempéries do espaço e do tempo.

Texto escrito pela curadora Lara Teixeira.